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SHOZO SHIMAMOTO  1928 - 2013

 

  

In occasione della 56°  Biennale di Venezia 2015, come evento indipendente e trasversale, lo Spazio  Ophen Virtual Art Gallery 2.0 di Salerno intende  dedicare l’attenzione a due artisti giapponesi come Shozo Shimamoto e Ryosuke Cohen  che riassumono molto bene il concetto del  The World's  Futures / “Inside and outside the body”, (dentro e fuori il corpo). Tra il 31 maggio e il 29 agosto 2015 verranno presentate nelle tre sale dello Spazio Ophen Virtual Art Gallery di Salerno 2.0,  complessivamente  le opere di 97 artisti in due  rispettive mostre con una serie di lavori di Shozo Shimamoto, (24 opere) a corollario del progetto di Mail Art  “Head”  concretizzato  proficuamente  tra gli anni 80 e 90. A confronto con il lavoro svolto da Shimamoto, verrà presentata dal 13 settembre fino al 28  novembre 2015 una  importante retrospettiva  di Ryosuke Cohen  dal titolo “Ryosuke Cohen / Fractal Portrait Project” - 2001/2015,  a 30 anni esatti dai lavori chiamati “Brain cell” .    

 

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 In questa prima  Rassegna Collettiva Internazionale  dal titolo: “VIRTUAL FLUXUS POETRY”,  dedicata da Giovanni Bonanno a Shozo Shimamoto,  sono presenti  48  opere  di altrettanti  importanti autori internazionali che hanno voluto essere presenti a questo particolare  evento e 24 opere di Shozo Shimamoto  poco conosciute a margine del progetto di Mail Art  “Head”.

 

 

SHOZO SHIMAMOTO / “Inside and outside the body”

(dentro e fuori il corpo).

 

 

L’artista giapponese, considerato il "kamikaze del colore” intende la pittura come azione forte, sentimento  prepotente capace di travolgere e triturare qualsiasi precaria certezza. Le bottiglie di colore che lancia direttamente sulle tele servono a liberare i suoi tormenti, le sue paure. La sua pittura, se così vogliamo chiamarla, nasce dal gesto dell’artista che agisce a contatto con il pubblico, per definirsi e condensarsi in opera. Nei suoi interventi non è importante l’atto finale che porta alla realizzazione dell'oggetto, ma l’azione diretta, il suo svolgersi nel momento stesso che si fa colore. Ciò che conta è riuscire a materializzare l’energia  e di colpo svelarla come in un precario battito d’ali.  Per questo, Shozo Shimamoto si affida alla performance come pratica necessaria a liberare le energie accumulate dentro di sé nel momento stesso dell’accadimento e dell’azione. A volte,  l’opera viene creata anche all’aperto, a contatto con gli eventi atmosferici; il vento, la pioggia, la neve  fanno parte dell’azione dell’artista con un contributo del tutto casuale nella definizione finale dell’opera. 


Alla fine degli anni '50 vi è stato un momento casualmente convergente in cui artisti di diversa area geografica (America, Europa, Giappone) hanno indagato, quasi nello stesso momento, in una identica direzione  approdando ognuno a modo proprio, a risultati del tutto differenti ma condivisibili. Arte concepita come flusso diarroico di energie primarie che si materializzavano  in un succedersi continuo emulando i momenti della vita. Flusso del tutto caotico in cui le arti vengono a contaminarsi e a definirsi in modo originale.  Per certi versi il suo modo di fare "pittura”, potrebbe essere paragonato all’Action Painting di  Jackson Pollock. In verità, le opere di  Shozo condividono i profondi pensieri della filosofia Zen, una concezione della vita del tutto diversa  da quella  personale  dell’artista americano. In Pollock vi è alla base una motivazione  prettamente esistenziale;  l’uso del dripping e del proprio corpo dentro la tela,  seppur gestuale, è  un atto ancora pittorico e prettamente privato. Per l’artista giapponese Shozo Shimamoto, invece, creare significa agire a contatto con il pubblico, avere un rapporto proficuo con gli altri, farsi evento, rivelazione.  


Per lui non è importante l’opera "definita e finita”, ma l’evento  provvisorio che si materializza in opera. L’arte, quindi,  non è pura descrizione delle cose, è intesa come  la materializzazione di una idea, di un pensiero fluttuante che lascia la mente per divenire gesto  di liberazione;  liberazione di pulsioni e di energie  spesso soffocate che prendono il volo e incontrollate  si disseminano sulla tela. Non a caso, in diverse opere create da Shimamoto,  i frammenti di oggetti vengono lasciati volutamente a sedimentare, assorbiti dal colore come parte  significante dell’opera, (vetri di bottiglia, lattine, sandali), oggetti sopravvissuti all’uragano e alla furia di questo autentico  Kamikaze della performance. Massimo Sgroi, lo definisce "l’artista contemporaneo che non rappresenta più colui che produce un’opera pittorica, ma ricopre il ruolo di mediatore tra la realizzazione di un’idea (la sua) e colui che la vive".  In questo senso, l’artista  si fa promotore di un "vissuto”, diventa il regista di un evento unico, altamente creativo e suggestivo. 

 

 

 

 

 

Il  Teatro dell’essenza

 

 Per Shimamoto, azione, happening, performance, pittura, tutto diventa materia di uso per creare un’opera.  Per diversi decenni ha sottolineato l’uso   spericolato dei materiali  accentuando negli anni ‘60 il gesto e poi l’evento artistico sconfinando  spesso  nella spettacolarità e nel  happening. Con estrema libertà  Shimamoto  ha attraversato esperienze e ricerche diverse e apparentemente incompatibili tra loro; dalla pittura Informale ai buchi, dalla Mail Art alla Body Art, dall’installazione alla performance  fino all’uso della fotografia, del video e persino del film d’artista. Il critico del New York Times Roberta Smith lo ha definito come “uno degli sperimentatori più audaci e indipendenti della scena dell'arte del dopoguerra negli Anni Cinquanta”. Del resto, Gutai, corrente artistica giapponese fondata nel 1954 ad Osaka da Jiro Yoschihara e di cui Shimamoto è uno degli interpreti più importanti è una parola che in giapponese significa conflitto tra materia e spirito, e di fatto, Gutai ha prodotto una  evidente rottura con la tradizione e l'arte spirituale  giapponese introducendo  la materia nel rapporto con la vita in un momento storico  condizionato fortemente dai tragici eventi bellici  come quelli di Iroshima e Nagasaki.  Una spiritualità concretizzata nella materia. Il termine “Gutai”,  significa anche  “concreto”. Una decisa volontà di creare forme espressive nuove, diverse, libere da qualsiasi tipo di proposta consueta di tipo accademico, come il  disegno, la bella pittura  fatta con  il pennello. Insomma,  l’artista nipponico cambia il  concetto consueto di creazione artistica grazie alla ricerca e alla sperimentazione, anticipando esperienze importanti  come l’ Action Painting  e  il movimento Fluxus americano sorto  circa dieci anni dopo ad opera di George Maciunas.  Attraverso la dimensione sofferta e lacerata dei tempi, attraverso la forte frattura con la tradizione,  l'arte intesa come la mediazione della mente  cerca di mettere in mostra le qualità intime, la  libertà e l’energia insostanziale della materia. Tutto ciò che era  prima tradizione ora è materia sciolta e fluida che inizia a  rivivere. Per cui, il rapporto fra artista e materia appare invertito: sono gli artisti a porsi al servizio dell’opera, anziché dominarla con la propria  arroganza e prepotente  sensibilità poetica.

 

Shozo Shimamoto  alcuni anni prima del 1950 aveva già realizzato una serie di opere aprendo uno squarcio  concreto sulla superficie della pittura. Anche queste opere, sono nate come  risultato di un`azione casuale.  In quel periodo, per risparmiare sui materiali, Shimamoto usava come base carta di giornali incollati, tuttavia,  un giorno per sbaglio fini`  per fare un buco su una superficie   di carta fragile. D`istinto Shimamoto  si accorse che si trattava comunque di un`espressione. E` interessante sottolineare come circa nello stesso periodo in Italia, Fontana tentava di aprire dei fori sulla tela e successivamente  i  tagli, tuttavia,  bisogna notare come i primi buchi e tagli di Fontana risalgono al 1949, come sono testimoniate dai cataloghi e  dalle mostre  svolte, mentre Shimamoto di certo ha iniziato a fare i primi buchi nel 1946, praticamente tre anni prima di Fontana. Inoltre,  occorre aggiungere che i Maestri Gutai dal 1949 erano  in Europa già molto conosciuti con le loro opere, invitati dallo scrittore e artista francese  Henri  Michaux.  Solo nel 1994, durante la mostra "l'Arte giapponese dopo il 1945: il Grido Contro il Cielo" tenutasi  al Museo Guggenheim in New York, il curatore Alexandra MONROE scopre che i "Buchi" di Shimamoto sono antecedenti ai buchi di Fontana (sulla polemica Shimamoto-Fontana cfr. il sito della Tate Gallery). 

 

Nel 1955 durante la “Prima  Esposizione d'arte moderna all' aperto, Shimamoto espone una lamiera frammentata da piccoli buchi dipinta da un lato di bianco e dall' altro di blu.  Sempre nel 1955  Shimamoto partecipa alla “Prima mostra Gutai” all'Ohara Kaikan di Tokyo: per l’occasione presenta l’opera “Prego, camminate qui sopra” realizzata con una serie di assi di legno montate su un sistema di molle che rendono il percorso del visitatore precario e instabile alterando la sua reale stabilità. Di questa opera, negli anni novanta l’artista realizzerà diverse ricostruzioni.  Nel 1956  con "Cannon Work" testimonia la origini delle sue azioni di pittura all'interno della poetica Gutai: vengono sparati da un cannone, appositamente costruito dall'artista, i colori  che si depositano casualmente  sulla tela in  modo casuale e provvisorio. Nel 1957 Shimamoto firma ufficialmente il Manifesto “per una messa al bando del pennello”. L'aspetto più evidente  della concretezza del movimento Gutai e in particolare di Shimamoto  è sicuramente  l'azione,  intesa come dinamismo della creazione che diventa, appunto, evento e rivelazione. Non poteva essere altrimenti.  Nel 1957 il gruppo Gutai ideò il "Gutai Stage Exhibition": per la prima volta nella storia fu utilizzato un palcoscenico come spazio artistico nel quale Shimamoto metteva assieme lo sparo dei colori con un  particolare sottofondo  sonoro.  Nel 1958 durante la seconda esibizione “Arte Gutai sulla scena” alla Asahi Kaikan proietta contemporaneamente sullo stesso schermo due diverse pellicole realizzate da lui stesso.Così dichiara in una sua testimonianza: “Per questo evento decisi di fare qualcosa chiamato ‘Il Film mai visto al mondo’ ”. Su una pellicola usata di 35 mm, cedutagli da un suo ex alunno, e poi lavata nell’aceto, disegna punti e linee.

 

 Confessa: L'arte come  gesto artistico, consiste  nello stupire lo spettatore”, e aggiunge, “Al presente io mi faccio fare dei disegni sulla testa rasata oppure mi faccio proiettare dei film, ma non allo scopo di fare cose strane. L'opera d'arte è di per sé un'espressione libera, l'atto di dipingere è proporre un'espressione libera. Questo è il vero compito dell'artista." E poi, “nelle performance il corpo è impiegato come elemento di Natura, quindi in entrambi i casi credo di avvicinarmi al Taoismo col quale del resto è in linea tutta la mia formazione di pensiero”. Di certo, il rapporto con il pubblico rimane un aspetto essenziale  in tutta l’opera di Shozo Shimamoto con l’utilizzo della  performance intesa come azione dell'uomo nel tentativo di annullare qualsiasi distinzione tra l'arte e la vita.  E’ del  ’95 la realizzazione del  suo “funerale in vita” col rito Buddista mentre dodici monaci recitavano un sutra.  Tra il “mostrare e l’essere” Shimamoto sceglie “l’essere” e l’utilizzo del corpo che mettendosi in relazione crea il messaggio creativo.  Praticamente  un’arte  diretta, corporea e viva utilizzando  il corpo  come strumento relazionale, comunicativo e poetico in una zona marginale di confine tra  linguaggi diversi, in cui la pittura, l’evento  e il teatro convivono dando vita alla rappresentazione  dell’essenza e dell’energia concreta.       Giovanni  Bonanno              

                                                                                                               

 

 

 

 

Shozo  Shimamoto:  avere un’idea per la testa

 

Shozo Shimamoto, scrive: “Con la mia testa rasata, nel 1987 sono stato in America ed in Canada, e ho poi viaggiato nel 1990 in Europa da Londra fino a Leningrado. Nel 1993 sono andato in Italia ed in Finlandia. Durante le mie tappe sono stato accolto da molti artisti della mail art che hanno scritto i loro messaggi sulla mia testa, oppure vi hanno proiettato diapositive o anche film. Tutti infatti erano pronti ad aspettarmi con alcune idee in mente. Nel 1988 un mio studente mi portò una copia della rivista che aveva trovato nella tasca del sedile dell'aereo della JAL in un volo Tokyo-Parigi. Era una sorta di guida del Giappone dove si presentavano in lingua inglese le bellezze dei templi buddisti, le informazioni sui piatti tipici e quant'altro. Ma fra le altre cose, nella pagina che trattava di cinema, era anche riportata come curiosità la possibilità di vedere un film proiettato sulla mia testa, con tanto di illustrazione disegnata a mano. Senza saperlo, la mia testa rasata stava volando in giro per il mondo. Nel 1987 spedii agli artisti della mail art un foglio con stampata la silhouette della mia testa vista da dietro ed un messaggio in cui invitavo gli artisti a fare il loro intervento. Ricevetti circa 500 risposte. Il fatto che le risposte fossero così numerose è dovuto al sistema del network caratteristico dell'arte postale, in cui non è raro che degli artisti copino e reinterpretino il contenuto originale per poi stamparlo di nuovo inviandolo ad altri artisti e così via. [...]  Un giorno mi arrivò una mail art molto singolare. Proveniva dalla Francia e l'autore era Pascal Lenoir, anche se il foglio originale era partito dall'artista olandese Cor  Reyn che aveva a sua volta fotocopiato la mia testa e inserito il messaggio di invito a disegnarvi dentro qualcosa. Ebbene Lenoir dentro alla mia testa fotocopiò una decina di altre silhouette rimpicciolite della stessa , riproponendo l'invito a disegnarci dentro qualcosa, e la spedì anche a me. Vedendola, non riuscii a trattenermi dal ridere. Il pezzo di mail art che avevo spedito io si era moltiplicato, il numero delle teste era aumentato, e passando per diverse vie era ricapitato proprio a me con la scritta: Perché non partecipi anche tu? Nell'arte postale non ci sono i diritti d'autore, anzi, all'opposto lo spirito che la caratterizza è quello di invitare gli altri ad usare senza limiti i vari contenuti. Così è possibile che a mia insaputa un mio pezzo venga modificato, arricchito di nuove idee, e ritorni al mio indirizzo. L'americano Cracker Jack Kid addirittura spedisce dei modellini tridimensionali della mia testa” .

 

Di certo, una parte di lavoro di Shozo Shimamoto risulta ancora poco noto, e precisamente la ricerca svolta negli anni 80 e 90 in ambito della Mail Art, una stagione vissuta non in modo marginale, bensì  come protagonista principale. Sono in parte noti  le sue particolari azioni, i suoi messaggi di pace e  le proiezioni di spezzoni di film sulla sua testa rasata utilizzata come spazio e luogo per ospitare l’opera. Praticamente, quasi una galleria del corpo a cielo aperto; forse “la più piccola galleria ambulante al mondo attiva negli anni 80”. In questa mostra collettiva internazionale, a margine della rassegna vi sono presenti diverse immagini che documentano tale attività  a corollario del progetto di Mail Art  “Head”  concretizzato  proficuamente  tra gli anni 80 e 90, come risulta dalle “oper/azioni” realizzate sulla sua testa rasata  da personaggi come Ray  Johnson, Ben Vautier, G. Achille Cavellini, Mayumi Handa, Allan Kaprow e diversi altri protagonisti internazionali dell’arte che sono intervenuti sulla testa dell’artista giapponese disegnando, incollando carte, materiali diversi e persino proiettando frammenti di film. Dopo la morte dell’artista, per ricordarlo a oltre due anni dalla scomparsa abbiamo ritenuto utile non inviare  per posta la solita testa rasata di Shozo Shimamoto. Questa volta è stata spedita per  tutto il 2014 a diversi artisti, una Card  digitale creata appositamente da Giovanni Bonanno dal titolo: “Virtual  Fluxus  Poetry”,   con  una piccola sala vuota a forma di nicchia ad arco  in cui sembra che aleggi il fantasma della testa rasata di Shozo Shimamoto. In questo “spazio apparentemente vuoto” abbiamo, come aveva fatto lui  a partire dal 1987, invitato gli artisti a  realizzare  il proprio intervento performativo chiedendo a loro di  inserire ciò che ritenevano utile  per completare degnamente l’opera. 

 

 

 

Un’ultima  considerazione, per evitare  possibili equivoci di qualsiasi sorta riguarda la partecipazione attiva di Shimamoto al gruppo giapponese Gutai; esperienza  nata  concretamente negli anni 50’, quasi  un decennio prima della proposta americana  del movimento Fluxus. Il titolo “Virtual Fluxus Poetry”  utilizzato da noi  nelle due mostre organizzate non deve trarre in inganno, non deve essere    inteso  o peggio “frainteso” come   reale partecipazione attiva nell’ambito del movimento Fluxus ma  come   convinta concezione e condivisione  poetica di   “flusso immateriale”,  di energia poetica a cui Shimamoto è  stato lungamente interessato, (il termine “fluxus” “dal latino. tardo fluxiōne, deriv. di flŭxus, part. pass. di fluĕre,  significa ‘scorrere, fluire). Del resto, sono risaputi gli intensi scambi intercorsi negli anni 60’ tra il Gutai , il movimento Fluxus e la scena artistica di Parigi, Milano e Torino.  Non è un caso, quindi,  che nella stanza, apparentemente vuota della card inviata per posta, la silhouette della sua testa vista da dietro  affiora magnificamente come energia e flusso immateriale,  inaspettata e “fluida”, presenza  insostanziale perfettamente in linea con le idee  di ricerca portate avanti lungamente  dal grande artista giapponese, pronta  a ricevere l’apporto comunicativo e creativo di tanti artisti internazionali    per essere compiutamente completata.        Giovanni  Bonanno

 

 

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Shozo  Shimamoto 1928 - 2013

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Virtual Fluxus Two / Mostra Collettiva Internazionale

dal 16 luglio al 29 agosto 2015
Shozo  Shimamoto   1928 - 2013

Shozo Shimamoto 1928 - 2013

Virtual Fluxus Poetry / Mostra Collettiva Internazionale

dal 31 maggio al 12 luglio 2015

Nessuna mostra in programma

Al momento non è presente nessuna mostra in programmazione.

Bongiani Arte Contemporanea

SPAZIO OPHEN VIRTUAL ART GALLERY 2.0

 

“VIRTUAL FLUXUS POETRY”

SHOZO  SHIMAMOTO

Spazio Ophen Virtual Art Gallery 2.0

1928 - 2013

Mostra Collettiva Internazionale

(1a parte)

dal 31 maggio al 12 luglio 2015

 

Visit:

GALLERY 2.0 / ROOM  1

Giovanni  Bonanno, Ruggero Maggi, Mirella Bentivoglio, Monica  Rex,  BuZ  Blurr, Mirta Caccaro,  Jurgen O. Olbrich, Виктория Барвенко, Jan Theuninck, Antonio Sassu, Vittore  Baroni,  Rora & Dobrica Kamperelic,Pascal Lenoir, Ambassade d'Utopia, Anna Boschi, Fernanda Fedi, Lancillotto  Bellini, Ever Arts, Clemente Padin, M. P. Fanna  Roncoroni, C. Mehrl Bennett, Emilio Morandi, Bruno Cassaglia, Ko de Jonge,

 

GALLERY 2.0 / ROOM  2

Lamberto Caravita, Gino Gini, Alicia Malerba, Rolando Zucchini, Cesar Reglero, Jacob de Chirico, Mauro Molinari, Marina Salmaso, Francesco  Mandrino, Francesco Aprile, Santini Del Prete, Rosa Gravino, Stathis Chrissicopulos, Luc Fierens, Claudio Grandinetti, Karl - Fridrich  Hacker, Eugenio Giannì, Renata e Giovanni Stradada,  Roberto Formigoni, Juan Lopez De Ael,  Julien Blaine, Leonor Arnao, G. Galantai, Roberto Zito,

 

GALLERY 2.0 / ROOM 3

Ritratto di Shozo Shimamoto, Giappone. / Shozo Shimamoto, Giappone, 1981. / Head di Shozo Shimamoto, Senza Titolo.  / Head  di Shozo Shimamoto. /  Head di Shozo Shimamoto, Atomic Bomb. / Head Shozo Shimamoto di  Ray Johnson, Feigen Contemporary New York.  / Head  di Shozo Shimamoto di G. Achille Cavellini. / Head  di Shozo Shimamoto di G. Achille  Cavellini. / Head di Shozo Shimamoto di Ben Vautier. / Head di Shozo Shimamoto di Mayumi Handa. / Head di Shozo Shimamoto, Gutai,  Allan Kaprow, Mail Art Net Working. / Head  di Shozo Shimamoto. / Head di Shozo Shimamoto di Pilcher, Jarvis. / Head  di Shozo Shimamoto, messaggio a Dobrica Kamperelic, 1987. - Head di Shozo Shimamoto. / Head di Shozo Shimamoto, Senza Titolo. / Shozo Shimamoto, Ray Johnson (azione). / Head di Shozo Shimamoto, Senza Titolo, 1999. / Head di Shozo Shimamoto, 1986, 1998. / Azioni  Shozo Shimamoto. / Read Stamps di Shozo Shimamoto. / Shozo  Shimamoto, Ben Vautier. / Head  di Shozo Shimamoto, shozo-ism-jap.

 

Spazio Ophen Virtual Art Gallery 2.0

Dentro il Bongiani Ophen Art Museum  è presente Lo “Spazio Ophen Virtual Art Gallery 2.0” , una delle prime “vere gallerie interattive al mondo” di arte contemporanea,  nata nel 2009,  è stata concepita nelle attuali dimensioni come un box contenitore d’arte virtuale visibile a 360° in tutto il mondo. Lo Spazio composto da 3 ampie sale espositive è un luogo accogliente d’impronta  decisamente minimalista. Il risultato delle proposte e degli artisti presentati in diversi anni  in questo importante contenitore interattivo contraddistinguono questa particolare Galleria “no Profit” di arte Contemporanea  per un interessante e nuovo apporto culturale di portata ormai internazionale.

 

Nata come galleria virtuale e interattiva con lo scopo di sostenere l’arte contemporanea,  lo Spazio Ophen Virtual Art Gallery 2.0  di Salerno si propone di consolidare ogni anno di più il suo ruolo di  punto di riferimento internazionale per la diffusione  dell’arte contemporanea in Italia e all’estero. 

 

La Collection  of  Contemporary Graphics

 La  “Collection  of  Contemporary Graphics” , una raccolta di arte "No Profit" di Arte Contemporanea    dedicata alla  Pittura  Contemporanea, alla Grafica, alla Fotografia e alla Mail Art.  Attualmente è   una vera raccolta "in progress" di opere d'arte con  opere di importanti  artisti  italiani e stranieri che nel corso degli anni, a sostegno del  progetto hanno donato   le proprie opere,  destinata alla fine ad essere definitivamente visitabile a Salerno   come raccolta  concreta della Collezione Bongiani Museum.  

Il Bongiani Ophen Art Museum  invita gli artisti a donare un’opera per il costituendo “Collection  of Contemporary Graphics

 

Lo "Spazio Ophen Virtual Art Gallery 2.0" si propone di promuovere artisti di particolare interesse presso il mondo dell’arte e  i collezionisti.  Quando viene allestita una personale o una retrospettiva  di un artista su questa piattaforma Web, oltre a redigere un  comunicato stampa e la presentazione critica della mostra virtuale, la Galleria Ophen Virtual Art 2.0 di Salerno  si impegna a diffondere  tale materiale  presso le più importanti testate  e riviste di arte contemporanea  nazionali e internazionali invitandole a “visitare” la mostra virtuale.    

 

Essendo  una galleria dichiaratamente "No Profit"  si precisa  che la selezione degli artisti presentati in  questo particolare  spazio virtuale  viene svolta  in base  alle proposte  concrete  e innovative di ricerca e non  a sterili motivi di  ipotetica convenienza  mercantile e commerciale.

 

La Collezione Bongiani Ophen Art Museum ”  si divide nelle seguenti sezioni:

- "Contemporary Art Collection",  sono presenti nelle sale virtuali le opere di 45 artisti che fanno parte di questo particolare museo immaginario di arte contemporanea. 

  - "Spazio Ophen Virtual Art Gallery 2.0", vi si trova la mostra dell'artista nelle tre ampie sale possono essere presentate fino a 72 opere (settantadue) per un periodo  di tempo concordato, la presentazione della mostra, la biografia aggiornata dell’artista e il relativo comunicato stampa da noi curato per l’occasione. La mostra svolta  con tutte le opere esposte e  la relativa documentazione verranno successivamente archiviate  in modo permanente nell’archivio delle “mostre svolte”.

 - "Collection  of Contemporary Graphics",  sono presenti le opere donate da ciascun artista che ha aderito alla nostra iniziativa.                                                                  

 

Per le mostre  programmate dallo “Spazio Ophen Virtual Art Gallery 2.0” di Salerno, si occuperà dell'"allestimento" virtuale della mostra e della presentazione. Inoltre,  si impegna alla spedizione (via e-mail) di inviti a riviste specializzate, testate giornalistiche, critici d'arte e  collezionisti.

 

 

 

 

 

 

 

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